FILTROS

Los más corrientes son de gelatina, vidrio y plástico.
Las GELATINAS GRUESAS no se prenden fuego por lo que pueden usarse sobre la luz, cambiando sólo el color de ésta, o sobre el lente cambiando todos los colores.
Los de PLÁSTICO más usados son los de acetato, no recomendados para usar en la cámara pero si en las luces, ya que no son de color homogéneo, no se mantienen perfectamente planos y su calidad óptica no es buena. Son de tamaño rectángular y se ubican en un soporte sobre el lente.
Los de VIDRIO habitualmente son a rosca o bayoneta y redondos, de tamaño fijo. Son de cristal plano y pulido y se montan en la parte frontal del objetivo.
Todos los filtros pueden levantar impurezas o dañar la calidad de la imagen.
La función de los filtros es filtrar la intensidad de la luz y equilibrar situaciones cromáticas. La absorción de la luz se compensa con un aumento en la exposición. Un filtro deja pasar su color y dificulta el paso de los colores complementarios. Si dispusiéramos de un filtro negro, no dejaría pasar ningún color ya que los absorbería todos. Y en cambio si el filtro fuera transparente trasmitiría todos los colores, sin absorber ninguno. Ahora si tenemos un filtro transparente pero coloreado ante una luz blanca, éste va a detener una parte de las radiaciones, dejando pasar otras. De situarnos detrás del filtro y mirar a través de él veremos que la luz ya no es blanca sino del color del filtro.

Existen 2 tipos de filtros Según su Forma: los filtros de rosca y los basados en portafiltros.
Los FILTROS DE ROSCA se enroscan en el objetivo, pudiendo encajar varios filtros sobre un mismo objetivo.
Los BASADOS EN PORTAFILTROS cuentan con una estructura (portafiltro) sobre la que se coloca el filtro, intercambiándolo cuando necesitemos pero manteniendo la estructura.

Según el Uso dado a los filtros se puede hablar de 5 grandes grupos: filtros protectores, filtros polarizadores, filtros de densidad neutra, filtros de colores y filtros de efectos especiales. A su vez se pueden dividir en filtros para película color y para película blanco y negro.

FILTRO PARA PELÍCULA COLOR: se trata de filtros que aumentan la saturación de determinados colores en perjuicio de los colores complementarios. Crean altos contrastes, alteran la luz en color, textura y dirección y son de colores complementarios. Los filtros de color transmiten algunos colores y absorben otros, por ejemplo si uso un filtro de color rojo, voy a obtener luz roja y a filtrar el color verde y el azul, con lo cual si quiero enfatizar el azul tendría que usar un filtro rojo. Tenemos que usar el filtro del color complementario que queremos corregir. Para corregir el color contamos con los siguientes filtros:

Filtro Conversor

- FILTRO CONVERSOR DE COLOR: este filtro se utiliza para ajustar la temperatura color cuando existe un desequilibrio entre la fuente de luz y el tipo de película a utilizar. Los más utilizados son lo de color azul que corrigen la dominante amarilla y eliminan el rojo, y el filtro anaranjado si tenemos una película para luz día y estamos utilizando una luz de tungsteno, necesitando añadir radiaciones azules. El filtro azul se utiliza para levantar la temperatura color y se lo conoce con el número 80, mientras que el filtro anaranjado convierte la luz día en luz artificial, filtrando la luz azul, y se conoce con el número 85B.
- FILTRO DE BALANCE O CORRECTOR: este filtro se utiliza tanto para película blanco y negro como color para realizar sólo una pequeña modificación con el fin de equilibrar las distintas luces utilizadas. Como ser por ejemplo si cuento con tubos fluorescentes de dominante verde y faroles, les coloco a estos últimos filtros verdes para empatar ambas luces y luego coloco en la cámara un filtro color magenta para eliminar todo el verde.
- FILTRO DE COMPENSACIÓN: este filtro corrige desequilibrios en el eje del magenta y del verde.

Filtro de Estrella

- FILTRO DE EFECTOS: este filtro también puede utilizarse para ambas películas y sirve para crear una atmósfera de ilusión. Existen distintos tipos según el efecto a realizar como ser:
- Filtro difusor. Para este efecto también puedo utilizar una media de nylon, una gasa, papel de calco o vegetal o tul.
- Filtro de efecto niebla
- Filtro de bajo contraste
- Filtro de estrellas compuesto por rayas finamente talladas en el vidrio que resalta los brillos en forma de 4 puntas
- Filtro facetado que multiplica la imagen como tantas facetas tenga.
- FILTRO GRADUADO O DEGRADÉ: este filtro puede ser de todos colores, mitad color y mitad transparente, afectando por ejemplo únicamente al cielo y no a los personajes y equiparando la exposición de ambas partes del encuadre, pudiendo ser éste de color sepia, coral, sunset, chocolate, blue o naranja. O a si mismo puede ser sin color únicamente para controlar el contraste y modificando la exposición, conocidos con el nombre de Densidad Neutra.

FILTRO PARA PELÍCULA BLANCO Y NEGRO: estos filtros modifican la respuesta de la emulsión en relación a las densidades de gris con que la película capta los colores del motivo. Estos tipos de filtros aclaran los motivos de su propio color y oscurecen los de color complementario. Por ejemplo si queremos oscurecer el cielo progresivamente podemos utilizar filtros amarillos, anaranjados y rojos, dando como resultado un cielo muy dramático, bien azulado con nubes bien blancas. Por otro lado, si utilizamos una luz artificial los objetos rojos serán impresionados en la imagen con tonos claros, pudiendo aumentar su saturación con un filtro amarillo-verdoso y obteniendo así un gris más natural. Los más utilizados son: los filtros de corrección, los filtros de contraste, los filtros ultravioletas, los filtros polarizadores y los filtros de densidad neutra. Los 3 últimos también utilizados para la película color.
- FILTRO DE CONTRASTE: este tipo de filtro ha caído en desuso con la fotografía digital ya que ahora es preferible obtener la fotografía en color y realizar la conversión a blanco y negro en los editores de la computadora, como ser por ejemplo el photoshop. En la película analógica se utilizaba con el fin de enriquecer la gama de grises en las imágenes. Son de color amarillo, anaranjado, rojo, verde y azul.
- FILTRO DE COLOR: estos filtros oscurecen o aclaran los colores de las imágenes traducidos en grises. Son de color amarillo, anaranjado, rojo y verde. Un ejemplo puede darse en el caso de 2 objetos, 1 de color verde y otro de color rojo, bien diferenciados por nuestro ojo pero muy parecidos en la traducción al gris de la película según su intensidad. Para diferenciarlos podemos aclarar o destacar uno de los dos. Un ejemplo lo podemos encontrar en el caso de un paisaje con un cielo azulado con nubes blancas. El cielo y las nubes van a tener un tono de gris muy similar, para lo cual podemos utilizar un filtro amarillo, filtrando el azul que aclararía el cielo presentándolo con un gris denso y dando como resultado unas nubes muy blancas. Principalmente se utilizan para cambiar el contraste de la imagen, y proporcionan una coloración o dominante adicional a la imagen con el sentido de corregir una dominante de color presente en la luz a utilizar o bien con un efecto artístico intencionado. Estos filtros también se encuentran en desuso con la fotografía digital.

Filtro Ultravioleta

- FILTRO ULTRAVIOLETA: estos filtros son los más utilizados en ambas películas. Se trata de un filtro transparente que retiene las radiaciones que en blanco y negro aclaran demasiado el cielo y en color producen una dominante azulada. Aunque imperceptible a simple vista, la luz ultravioleta puede reducir el contraste y el detalle. Son utilizados para corregir la excesiva sensibilidad de las emulsiones hacia la parte azul y ultravioleta del espectro, mayor en lugares de gran altura como ser en una alta montaña o en la playa. Para película blanco y negro se presentan de manera incolora absorbiendo en un 100%, y en color se utiliza el filtro llamado Skyligth que sólo absorbe el 50% y proporciona cierta calidez a la imagen, ya que se presentan de color salmón, medio rosado. Estos filtros también se utilizan para proteger físicamente el lente de golpes o polvo. Hoy en día también han caído en desuso ya que las cámaras digitales lo traen incorporado.

Filtro Polarizador

- FILTRO POLARIZADOR: estos filtros también son usados indistintamente para ambas películas. Se trata de un filtro neutro gris que no afecta los colores y que sólo deja pasar la luz en una dirección. Se puede girar el ángulo de polarización para reducir o exagerar la luz. Este tipo de filtro consta de 2 cristales, 1 fijo y otro con movimiento circular que permite graduar el nivel de polarización. Su efecto es más notable en días bien soleados. Se utiliza para:
- Oscurecer la escena reduciendo el contraste
- Oscurecer el azul del cielo y realzar el resto de los colores al filtrar los reflejos del cielo, dando por ejemplo más contraste a las nubes
- Eliminar reflejos de agua, cristal o cualquier superficie brillante no metalizada como por ejemplo una vidriera o una persona con anteojos. Un reflejo es una luz polarizada, que pega en una superficie y se refleja en una dirección. Si saco el reflejo saco el blanco de la imagen y logro que los tonos se vean más saturados en el caso de la película color.

Filtro de Densidad Neutra

- FILTRO GRIS NEUTRO (ND): se trata de un filtro de densidad neutra que no cambia los colores ni modifica la composición de la luz sino que solamente disminuye la cantidad controlando la exposición sin utilizar el diafragma. No altera el contraste sino que reduce la intensidad de la luz, permite utilizar una velocidad de obturación menor pero evitando la sobreexposición y poder usar un diafragma mayor logrando más foco diferenciado y menos profundidad de campo. Se utiliza habitualmente en fotografías de corrientes de agua para poder utilizar tiempos de exposición prolongados con el fin de detener el movimiento. También es utilizado cuando la luz es intensa pero los colores son pálidos porque el aire está turbio por ejemplo, para poder conseguir colores más saturados y densos. Estos filtros también se presentan en degradé, parcialmente transparentes y parcialmente neutros, pudiendose subdividir en:

Filtro Degradado

- Filtro de forma rectángular: se trata de un filtro transparente en su parte inferior y en degradé desde la mitad hacia arriba, de gris a negro. Este filtro condiciona la forma en que se expone, ya que si en la imagen predomina el cielo, se expondrá de manera que quede bien expuesto el cielo, quedando subexpuesta la parte inferior. Al colocar el filtro, el fotómetro verá menos luz y expone dejando entrar más luz, dando como resultado la parte inferior bien expuesta y la parte superior también al estar protegida por el filtro.
- Filtro de forma circular: se trata de un filtro similar al anterior pero que tiene el inconveniente de que no se puede elegir el porcentaje de la imagen a oscurecer.
- Filtro de degradado inverso: es un filtro que tiene la parte más oscura en el centro, aclarándose hacia los extremos. Es concebido para proteger el sol cuando sale o se pone en el horizonte y poder exponer bien el resto de la imagen.

Filtro Degradado Color

- Filtro degradado neutro coloreado: se trata de un filtro en que la parte más oscura no es negra sino de un color determinado, siendo el sepia el más popular.

FILTROS UNIVERSALES: son utilizados tanto para película color como para blanco y negro. Pueden ser:
- FILTRO DIOPTRIA: se trata de un filtro que cambia la escala del lente, permitiendo acercarse más del punto mínimo haciendo el mismo efecto que le produce un anteojo a una persona que no puede ver de cerca. Se utiliza para tomas con mucha profundidad de campo. Pueden encontrarse en degradé partidos para permitir hacer foco tanto en un primer plano como en el fondo de la imagen.
- FILTRO DIFUSOR: se trata de un filtro transparente con un componente en el lente para que sea difuso. No saca luz a la imagen y se utiliza para anular la elevada nitidez de la misma. En retratos y desnudos elimina los efectos de la piel y proporciona una atmósfera muy romántica. También sirve para disminuir arrugas. Para crear el mismo efecto puede utilizarse un vidrio con vaselina, una red o un cristal esmerilado.

TEMPERATURA COLOR

LA TEMPERATURA COLOR es el color que emite un cuerpo al calentarse por la luz. Se mide con un termocolorímetro y su unidad de medida son los grados Kelvin. Un cuerpo negro, que no emite luz, al ser calentado empieza a emitir radiaciones cuya composición se va modificando a medida que aumenta la temperatura. Por ejemplo un carbón negro primero absorbe calor pero no emite luz, al llegar a una temperatura de 2000ºK se vuelve incandescente y emite luz roja, y si seguimos calentándolo la luz se vuelve amarilla y finalmente azul al alcanzar los 10000ºK. A más temperatura menos cálido es el color.
Hay 2 tipos de Temperatura color: la LUZ DÍA y la LUZ ARTIFICIAL en relación con que gama de colores del círculo cromático se presenta.
Cuando miramos con nuestros ojos, percibimos los objetos blancos como blancos por ejemplo, y los objetos grises como grises ya que sabemos que aquella pared es blanca o gris, sin percibir que en realidad es amarilla teñida por la luz de la habitación.

La luz del sol al amanecer es amarillo y al mediodía un poco azulada, pero el ojo se adapta viendo siempre luz blanca.
Las fuentes de Luz Artificial domésticas tienen escasa potencia lumínica y una baja temperatura color, dando fotografías con tonos cálidos, mientras que los tubos fluorescentes domésticos proporcionan tonos verdosos.
Sin embargo las cámaras fotográficas no tienen la misma capacidad de adaptación que el ojo, por lo cual al sacar una fotografía con la luz del sol la imagen estará teñida de un tono azulado, mientras que con una luz de atardecer se obtendrán tonos rojizos.
LOS COLORES CÁLIDOS son la gama de colores comprendida entre el amarillo y el rojo-violeta (rojos, amarillos y anaranjados), que suelen asociarse por ejemplo con la luz solar o el fuego, y de ahí su calificación de "Colores Calientes o Activos". Los tonos cálidos parecen avanzar y extenderse.
LOS COLORES FRÍOS son la gama de colores comprendida entre el amarillo-verdoso y el violeta, pasando por el azul. Son aquellos colores que se asocian con el agua, el hielo y la luna. Los tonos fríos parecen retroceder y contraerse, por lo que se conoce a estos tonos como "Colores Pasivos".
Un factor importante del COLOR es que ejerce sobre la forma de los objetos, un peso aparente que modifica el peso real del mismo, como ser:
- Los tonos fríos y claros parecen más livianos, mientras que los tonos cálidos y oscuros parecen más pesados hecho por el cual un colectivo pintado de azul y blanco parece más ligero que un auto negro.
- Los colores azules y verdosos ejercen una acción sedante en quien los mira.

DISTINTOS TIPOS DE LUCES Y FORMAS DE ILUMINACIÓN

La CLAVE TONAL es la cantidad de luz en la escena y el contraste que ésta produce. Se trata de clasificar los tonos de las imágenes en claros, intermedios y oscuros. Puede ser:
- CLAVE ALTA: se trata de una fotografía muy iluminada, con predominio del color blanco, que parece excesivamente sobreexpuesta pero cuyo resultado final es muy interesante. En este tipo de fotografías las altas luces son el tono dominante y no existen negros puros, sino grises suaves. Es habitual en retratos donde se quiere crear un ambiente peculiar, suave y armonizado, dando a la imagen un toque etéreo.

Luz Día

- CLAVE MEDIA o CONTRASTADA: se trata de fotografías iluminadas por una luz fuerte y directa, como en el caso de paisajes a pleno sol o figuras bajo una luz artificial intensa y cercana. Se compone de tonos oscuros profundos y claros muy marcados, que dan un efecto visual intenso y con fuerte dramatismo.
- CLAVE BAJA: se trata de una fotografía poco iluminada por una luz nocturna o artificial débil. Hay un predominio de tonos oscuros y negros, que transmiten misterio, dramatismo o tristeza, según la composición de la imagen.

La LUZ puede clasificarse según el tipo, la calidad y la dirección.

Según el TIPO de luz puede ser:

Luz Día

- LUZ DÍA: no es una fuente de iluminación constante, cambia de hora en hora, según el clima y las estaciones, lo que cambia las formas y los tonos de las fotografías, también por el movimiento del sol. Durante el día el Sol es nuestra fuente de luz, pero la Atmósfera refracta a su vez gran parte de la luz solar, hecho por el cual las zonas que no reciben la luz directa del Sol, igual están iluminadas por el resto del Cielo. En el espacio donde no hay Atmósfera, las zonas iluminadas por el Sol son sumamente brillantes y las zonas de sombra completamente oscuras. El Sol es una fuente de luz puntual que proyecta sombras cuando un cuerpo opaco se interpone en su camino.

Luz Día Dura

El Cielo en cambio, es una fuente de luz difusa ya que proviene de todas partes a la vez con igual intensidad y sin proyectar sombras definidas.
En un día despejado la intensidad del Sol es mucho mayor que la del Cielo, siendo el Sol la luz principal y el Cielo la luz de relleno que empareja las zonas de sombras y reduce el contraste.

Luz Día Suave

En un día cubierto de nubes en cambio, el Sol llega a nosotros débilmente ya que las nubes refractan en mayor proporción su luz, haciendo que pierdan intensidad y destacando al Cielo como una iluminación más intensa. El resultado es una disminución de la potencia de la luz principal y un aumento de la luz de relleno que producirá un menor contraste.
En un día completamente nublado sólo tenemos como fuente de iluminación el Cielo convirtiéndose así en luz principal, pero totalmente difusa y sin sombras dando fotografías con máximos detalles.

Luz Artificial Suave

No siempre el Sol es la luz principal y el Cielo la luz de relleno, como podemos ver por ejemplo en el caso de un contraluz en que el Sol está detrás del motivo y si consideramos al Cielo como luz principal y medimos la exposición para la zona iluminada por éste, obtendremos detalle en el rostro, manteniendo al Sol como contorno.
A su vez, no únicamente el Cielo puede actuar como luz de relleno del Sol, ya que si por ejemplo situamos el motivo al lado de una pared blanca que recibe Sol, ésta va a reflejarlo, bajando el contraste y sumándose al Cielo. Mismo efecto hace la arena en la playa y la nieve.
- LUZ ARTIFICIAL: a diferencia de la luz natural, se propaga en línea recta y en sentido radial debido a que la fuente de luz está mucho más cercana de los objetos que ilumina.

Fotografía Final

Según la CALIDAD que depende del tamaño de la fuente y de la distancia que la separa del motivo, la luz se puede clasificar de la siguiente manera:
- LUZ DURA o CONCENTRADA: se trata de una luz que da a la imagen mucho contraste, sombras negras bien definidas y muy recortadas. Son luces altas brillantes y compactas que crean modelados y revelan textura, pudiendo crear sombras falsas. Se presenta con mayor dureza en verano y en un día despejado, al mediodía o en puntos altos al hablar de luz día. Destaca los detalles de cada textura por lo que no se recomienda su utilización en retratos, pero si en imágenes donde predomina el vigor y la fuerza. Procede de un foco de luz intenso.

Luz Principal

- LUZ BLANDA o SUAVE: se trata de una luz difusa y sin sombras o sombras débiles, que da contornos poco delimitados y disminuye el contraste. Al no ser dirigible puede crear una iluminación plana que revele los detalles pero aplane las formas. Procede de una fuente de luz muy extensa y de poca intensidad que le resta importancia al motivo, haciendo que predomine el volumen sobre las líneas. Se utiliza en fotografías familiares.
- LUZ SEMIDIFUSA: se trata de una luz que inicialmente nace dura, pero que se suaviza mediante difusores como ser por ejemplo las nubes o una cortina. Proyecta sombras pero no con bordes nítidos. Suaviza el contraste por lo que se recomienda para retratos.

Luz de Relleno

- LUZ PRINCIPAL: es aquella luz que proporciona la iluminación básica dando el carácter a la imagen. Resalta los rasgos, muestra las características del objeto, modelándolo, formándolo y definiéndolo. Revela la textura de la superficie y determina la exposición.
- LUZ DE RELLENO: es aquella luz que sin modificar la iluminación de la luz principal, ilumina las sombras reduciendo el contraste. Se trata de una luz sin dirección, que ilumina lo que no es iluminado por la luz principal y que es de la mitad de intensidad que ésta.
También puede generarse un relleno utilizando telgopor, un espejo, un papel metalizado, etc.

Sombra Contenida y Proyectada

- SOMBRAS: pueden estar Contenidas en el motivo, permaneciendo en los límites del mismo o pueden ser Proyectadas por él formándose en una superficie ajena al motivo. A veces pueden presentarse simultáneamente. Las sombras aportan información sobre el volumen y la forma del motivo, y las sombras proyectadas a su vez, dan idea sobre la altura y la distancia al piso del motivo. A veces podemos prescindir del motivo que las proyecta y crear fotografías solamente con ellas.

Según la DIRECCIÓN referida a la posición de la luz en función del eje cámara-motivo, podemos hablar de:

Luz Día Lateral

LuzArtificial Lateral

- ILUMINACIÓN FRONTAL: se lleva a cabo cuando la luz proviene de atrás del fotógrafo, sobre el eje cámara-motivo creando sombras detrás del motivo. En la parte frontal del motivo suaviza las formas produciendo un efecto visual de ligereza, destaca el color y los detalles, pero acerca los planos reduciendo la sensación de profundidad y el relieve de las formas por lo que el motivo se verá plano. Sirve para corregir imperfecciones, como por ejemplo las arrugas. Más indicada sería colocando la luz de frente pero a 45º ya que si bien va a proyectar sombras oblicuas también modela al motivo.
- ILUMINACIÓN PICADA: se trata de una luz que incide en el motivo de arriba hacia abajo, como ser por ejemplo el sol al mediodía, impactando en el caso de una persona, en la cabeza, los hombros y la nariz, formando sombras en el cuello, debajo de la nariz y pera y ocultando los ojos.
- ILUMINACIÓN OBLICUA O CENITAL: se trata de una luz que baña al motivo desde arriba y de manera perpendicular, revelando la textura y la forma del mismo, y quedando la sombra en la zona inferior del encuadre, por lo que produce una sensación visual de achatamiento.

Luz de Fondo

- ILUMINACIÓN CONTRAPICADA: se trata de una luz opuesta a la iluminación picada ya que proviene desde abajo hacia arriba y da un efecto poco natural.
- ILUMINACIÓN LATERAL: se trata de una luz ubicada a 90º del eje cámara-motivo, destacando el volúmen y la textura de las superficies irregulares. La sombra queda de manera perpendicular al fotógrafo, a un lado del motivo, formando parte de la imagen. Puede crear modelados suaves o fuertes contrastes según la intensidad de la luz y resalta las imperfecciones. No se aconseja en el caso de retratos ya que divide el rostro en 2 mitades, una iluminada y la otra en sombra total.

Reflejo sin Motivo

- ILUMINACIÓN DE SUPERFICIE PLANA: lo mejor es colocar un haz concentrado y para evitar sombras, reflejos o irregularidades, utilizar 2 fuentes de luz enfrentadas a 45º, una de ellas de menor intensidad.

Reflejo sin Motivo

Reflejo con Motivo

- LUZ DE FONDO: en este caso la luz proviene de atrás del motivo sobre el eje cámara-motivo, incidiendo en la cámara. La sombra se proyecta hacia el fotógrafo y el motivo queda reducido a una silueta generando un contraluz que enfatiza las formas del motivo. Recorta el perfil de las formas y puede anular la textura del motivo. Una ubicación más precisa sería que la luz dé en el borde del motivo marcando su contorno y despegándolo del fondo. Este tipo de luz sirve para darle un efecto espiritual a la imagen o sensación de misterio. En combinación con una luz principal, la intensidad de la misma debe ser menor a la mitad de la luz principal, ubicándola del lado oscuro.
- PERFILADO: se trata de una luz similar al contraluz, pero en este caso, impactando también en el frente del motivo, realzándolo y modelándolo.
- REFLEJOS: es común el uso de fuentes de reflejos como ser por ejemplo el agua, los cristales o los espejos para realizar fotografías sorprendentes con mucha belleza. Los reflejos pueden encontrarse como una imagen principal prescindiendo del motivo reflejado o como complemento del motivo, también presente en la imagen.

CONSTRUCCIÓN DE LA IMAGEN FOTOGRÁFICA A PARTIR DEL ANÁLISIS DE LAS OBRAS DEL FOTÓGRAFO FRANS LANTING

EL CENTRO DE INTERÉS: antes de realizar una fotografía debemos preguntarnos que es lo que queremos captar en ella. En cualquier motivo siempre existe un elemento que atrae más nuestra atención y que constituye un centro de interés, en torno al cual se basará toda la composición.
Para establecer el encuadre en función del centro de interés debemos tener en cuenta lo siguiente:
- Cuando en una escena hay dos o tres motivos con la misma fuerza que el motivo principal, se genera una confusión en el observador y perjudica la fotografía.
- Lo más sencillo y efectivo para resaltar su importancia es situarlo en el encuadre según la regla de los tercios.
- Si una persona o un animal se fotografía de perfil, se debe dejar siempre más espacio por delante de la cara que por detrás.
- Al fotografiar objetos móviles es importante captarlos entrando en el encuadre y no saliendo.
- El fondo tiene una importancia decisiva al momento de valorar el centro de interés, y por lo general, no debe competir con el motivo principal, como por ejemplo utilizando objetos claros con un fondo oscuro o al revés, o desenfocandolo.
A la vez, debemos tener en cuenta que todo lo que esté a la derecha y abajo en la imagen pesa más, aprovechando esto para colocar allí el motivo principal.

EL ÁNGULO DE TOMA: lo normal es fotografiar colocándose frente al motivo, de pie, con la cámara al nivel de los ojos y con el plano focal perpendicular al suelo. El tema se capta así sin distorsiones y de forma clara y descriptiva, pero dando como resultado imágenes estandarizadas y poco originales. Se puede conseguir imágenes más originales cambiando el punto de vista.
Cuando se opta por un punto de vista elevado, que se conoce como Vista de Pájaro, se puede excluir la línea del horizonte y utilizar el suelo como fondo. Esto proporciona imágenes muy originales pero por lo general, el motivo principal queda poco destacado del fondo, y si se fotografían personas, saldrán con la cabeza enorme y distorsionada.
Si en cambio, fotografíamos al nivel del suelo y hacia arriba, que se conoce como Vista de Hormiga, el horizonte e incluso el suelo pueden no aparecer en la fotografía, resaltando más el motivo principal, pero pudiendo aparecer en el encuadre luces parásitas si se utiliza una iluminación cenital. No se recomienda este tipo de toma al realizar un retrato ya que destaca mucho la mandíbula y los agujeros de la nariz.
Todos los defectos y deformaciones producidas al variar el ángulo de toma, pueden exagerarse intencionadamente utilizando un gran angular.
La variación del punto de vista aporta perspectivas diferentes con elementos inesperados que habitualmente captan más la atención. El fotógrafo debe estudiar el motivo y la escena buscando puntos de vista innovadores o más atractivos para el observador. Existen ciertas técnicas:
- El Picado que consiste en fotografiar un motivo desde arriba hacia abajo y ayuda a resaltar lo pequeño de ciertos objetos ya que proporciona un punto de vista de superioridad, siendo contraproducente al fotografiar niños o animales porque los presenta como inferiores.
- El Cenital que se trata de realizar la fotografía también de arriba hacia abajo, pero en este caso de manera perpendicular con respecto al suelo.
- El Contrapicado que consiste en fotografiar de abajo hacia arriba, resaltando la grandiosidad del motivo. También deforma la perspectiva. Suele utilizarse para fotografiar edificios o monumentos.
- La Toma al Ras que se trata de fotografiar con la cámara al ras del suelo o del motivo. Generalmente este tipo de tomas sorprende al observador y suele utilizarse para fotografiar motivos pequeños en su entorno natural.

EL COLOR: de todos los elementos que conforman una fotografía el color es que crea mayor respuesta emocional. Algunos colores atraen más la atención que otros. Los colores primarios, y principalmente el rojo, conducen inmediatamente la vista hacia la parte de la fotografía donde se encuentran presentes.
Los Colores Cálidos hacen que todo se vea más grande y cerca alterando la composición de la imagen. Para acentuar un color podemos utilizar una luz directa, y una suave sobreexposición ayudará a aumentar la saturación del mismo. Los Colores Intensos crean un gran impacto cuando se utilizan aisladamente pero si los combinamos podemos obtener un efecto desagradable a la vista. Hay que tener cuidado con la combinación de colores chocantes, opuestos en el círculo cromático. De manera inversa para conseguir armonía debemos intentar utilizar colores que estén cerca en el círculo cromático, lo cual también simplifica la iluminación y la exposición al reducir el contraste.
El color ayuda en la composición de la imagen en relación a su significación en cuanto a lo simbólico, lo fisiológico y lo cultural que trae impreso, actúando como otro recurso expresivo más. Los Tonos Mayores son: el rojo, el naranja, el amarillo, el verde, el azul, el índigo y el violeta. La saturación de un color evoca intensidad mientras que los tonos suaves transmiten tranquilidad.
La fotografía en blanco y negro es también muy impactante y ayuda a resaltar mejor los contrastes y las variaciones tonales, haciendo que el color no distraiga de otros recursos expresivos.
Las oposiciones de Claroscuro son muy interesantes pero debemos tener en cuenta que tanto si el motivo principal se encuentra en la parte oscura o en la clara, dicha parte no debe superar el 40% de la fotografía. El claroscuro suele utilizarse para representar profundidad y volumen.

En la composición de manera general se debe tener en cuenta lo siguiente:
- Los edificios claros tienen un mejor efecto con un objeto oscuro en primer plano, como ser por ejemplo una escalinata o un árbol.
- Los monumentos soleados deben tomarse con un fondo oscuro.
- Siempre fotografiar los objetos claros con un fondo oscuro, y los objetos oscuros en un fondo claro.
- Toda imagen tiene más plasticidad si el motivo se presenta nítido y el fondo con menor nitidez.
- La luz de frente o vertical crea imágenes aburridas. La luz lateral forma sombras que darán a la fotografía un aspecto vivo.
- Siempre debemos buscar el fondo lo más claro posible, y el primer plano lo más oscuro posible.

LAS FORMAS Y LOS ELEMENTOS DEL MOTIVO. COMPOSICIÓN.

El ser humano cuando percibe una cierta imagen suele hacerlo de una determinada forma y en un determinado orden, pero además existen ciertos aspectos que ayudan a captar la atención del cerebro y que suelen evocar ciertas sensaciones o sentimientos.
Cuando se pretende transmitir sensaciones o resaltar ciertos mensajes con una fotografía, es preciso conocer como funcionan estos mecanismos de la percepción para poder aplicarlos para transmitir lo que deseamos.
La COMPOSICIÓN fotográfica es la selección y colocación de los motivos en el área de la imagen.

ELEMENTOS DEL MOTIVO:

LA LÍNEA: es uno de los elementos compositivos más importantes ya que nuestros ojos tienden a seguirlas, tanto si están constituídas por elementos lineales sencillos como ser por ejemplo una carretera, una hilera de cultivos o palos de luz; como por los contornos de determinadas formas o tonos. Se puede aprovechar para dirigir la atención del observador, sugerir profundidad o movimiento. Hay distintos tipos de líneas:

Línea Vertical

La Línea Vertical alarga las cosas, se presenta como un símbolo de dignidad, elegancia, espiritualidad, da sensación de movimiento y de agitación.
La Línea Horizontal hace más ancha las cosas, manifiesta reposo, tranquilidad, quietud, peso y estabilidad. Habitualmente nos gusta más una imagen compuesta con una línea en ascenso de izquierda a derecha y en descenso de derecha a izquierda.

Línea Horizontal

Las Líneas Diagonales que a menudo se forman en una fotografía, como por ejemplo la baranda de un paseo, una calle o un camino, es habitual colocarlas haciendolas coincidir con las esquinas de la misma, así el ojo recorrerá esas líneas desde las esquinas a los centros de la imagen ayudando a dirigir la atención del observador. Al cortar estas líneas a uno de los lados de la fotografía, ésta parece interrumpirse bruscamente, mientras que al llevarla a la esquina da la sensación de continuidad.

Línea Diagonal

Las Líneas Dominantes son aquellas formadas por La Mirada y El Movimiento. La mirada de  un ser humano traza una línea dominante imaginaria de gran fuerza expresiva que debe ser respetada y resaltada por el fotógrafo. Cuando la persona retratada está mirando hacia algún lugar, debe abrirse el encuadre situando a la persona a un lado y dejando un espacio libre delante de ella para ser ocupado por su mirada.

Línea Dominante

Por otro lado, una persona u objeto en movimiento también describe una línea dominante dada por su trayectoria y que también tiene gran fuerza expresiva. Cuando el motivo esté entrando en la escena es conveniente abrir el encuadre y dejarle un espacio libre delante para que sea ocupado por su trayectoria y resaltar el efecto de movimiento.

LA FORMA: es uno de los caracteres físicos de los objetos, junto con el volumen, la textura y el color. Para reconocer un objeto nos basta su silueta, como por ejemplo al realizar formas chinescas. La superposición de formas nos permite establecer alejamientos y profundidad.
Para conseguir tomas impactantes de objetos con formas atractivas conviene tener en cuenta:
- Abstraer las formas del objeto principal, eliminando al máximo los detalles, por ejemplo realizando un contraluz.
- Acercarnos al encuadrar de forma que aislemos la forma de un sólo elemento del motivo.
- Utilizar un fondo lo más uniforme posible para que no distraiga la atención.
- Buscar el máximo contraste de tono entre la forma principal y el fondo.
Un buen método para resaltar las formas consiste en utilizar algún elemento de la imagen para enmarcar el motivo, como por ejemplo aprovechar el arco de entrada a un monumento para enmarcar al motivo principal, rodeandolo con un tono opuesto que va a realzar la fuerza del motivo.
En cualquier caso, para que un objeto tenga corporeidad y ofrezca sensación de volumen, además de su forma debemos captar su sombreado (tono) y los detalles de su superficie (textura).

RITMO: es la relación entre la forma y el espacio, el resultado de la repetición de líneas, formas, volúmenes, tonos y colores. La repetición de un motivo aumenta la armonía de la escena, confiere unidad y fluidez. Las composiciones con un ritmo excesivamente rígido, como por ejemplo las olas, conviene romperlas con algún elemento discordante que atenúe su rigidez y proporcione un centro de interés.
Hay distintas clases de ritmo según lo que se quiera transmitir:

Ritmo por Progresión

Ritmo por Alteración: se trata de una serie de elementos distintos que se repiten alternándose en orden, como ser por ejemplo: una vaca, una oveja, una vaca, una oveja.
Ritmo por Simetría: este ritmo se presenta cuando la serie de figuras ordenas puede dividirse con un eje en dos partes iguales y opuestas. La imagen resulta agradable si los motivos situados a ambos lados del eje tienen un mismo peso visual. La composición simétrica es sencilla, solemne y formal, pero puede resultar fría y demasiado mecánica. Un ejemplo es un camino de arboles en perspectiva.
Ritmo por Radiación: se crea a partir de un punto central y orientando los elementos en sentido circular alrededor de éste.
Ritmo por Progresión: es aquel ritmo en que se altera la forma y el espacio de manera proporcional, es decir que a medida que el motivo se aleja en profundidad también se achica en tamaño.

Composición Asimétrica

Composición Asimétrica: se la conoce con el nombre de las formas de las letras o figuras que adopta. Las más utilizadas son: la triangular, con forma de S, L o C que son las que con mayor gusto recorre la vista.

EQUILIBRIO: una fotografía resulta más agradable cuanto más equilibrados se presenten los elementos que la componen. La distribución de los elementos debe hacerse según su peso visual, colocándo los de mayor masa visual más en el centro del encuadre, y los más ligeros hacia los márgenes. El peso visual está dado tanto como mancha o masa visual que ocupa en el encuadre, como por el volumen y el peso que intuitivamente asociamos a cada elemento, como ser por ejemplo una vaca pesa más que una oveja.
En las composiciones verticales es más natural a la vista si colocamos los objetos más pesados en la parte baja del encuadre.
En la fotografía color el equilibrio se presenta además en relación a la intensidad y el contraste de los colores.

TEXTURA: la fotografía puede reproducir la textura de una manera que al mirarla uno pueda preveer la sensación que produciría tocarla. Una textura muy resaltada confiere realismo a la imagen porque estimula nuestro sentido táctil. La textura, junto con el tono y la forma, transforman los motivos planos en imágenes con fuerte tridimensionalidad.
Entre los factores que resaltan la textura se destaca la iluminación. Mayormente los objetos iluminados con una luz dura, intensa y rasante revelan una textura imperceptible de otra forma.

VOLUMEN Y TONO: el aspecto sólido es dado a los objetos por el juego de luces y sombras. El Tono es la brillantez visual de una zona de una imagen y está relacionado con el color y con la luz. En ocasiones se busca utilizar sólo los tonos altos y blancos que sugieren frescura, inocencia y libertad, o usar tonos bajos para sugerir drama, misterio y obsesión.

ORGANIZACIÓN: en las culturales occidentales, derivado del sistema de escritura, las personas estamos acostumbrados a mirar de arriba hacia abajo y de izquierda a derecha, y a su vez la mirada suele detenerse en ciertos puntos concentrando la atención del observador en los mismos, puntos que debemos aprovechar colocando el motivo que deseemos destacar en la fotografía. De estos puntos nace La Regla de los Tercios que indica que si dividimos la imagen en partes iguales por dos líneas horizontales y dos líneas verticales, los cuatro puntos de intersección de estas líneas serán los que mayor atención recibirán y en el orden propio del sistema de escritura. De esto podemos deducir que el motivo no debe ir centrado en el encuadre, sino que es preferible desplazarlo un poco hacia la izquierda ya que así se obtendrán imágenes menos simplistas y más atractivas. La mirada estructuradora debe ser impuesta por el fotógrafo. La fuerza de una imagen radica en la relación de los elementos con las líneas imaginarias que dividen el encuadre. Las dos líneas verticales u horizontales determinan la posición de los elementos alargados de la imagen, como ser por ejemplo el horizonte o un edificio, y en los cuatro puntos de intersección de estas líneas se sitúan los puntos de interés de la imagen. La intersección entre 2/3 horizontal y vertical es una buena localización para el centro de interés.
También podemos dar interés a un objeto más que otro, colocando uno de ellos de forma entera mientras que el otro sólo en parte, o jugando con el tema del tamaño ya que la mirada siempre va al de mayor tamaño.

EL PUNTO DE TOMA: casi siempre puede aumentarse la fuerza de una imagen acercándose al motivo, ya que las tomas cercanas transmiten sensación de proximidad y calidez y potencian el protagonismo del motivo al excluir otros elementos.

PROFUNDIDAD Y DISTANCIA: el procedimiento más conocido para lograr profundidad es la Perspectiva Lineal en la que los objetos se achican a medida que aumenta la distancia a la cámara, como ser por ejemplo en una hilera de pinos en un camino.
A su vez se puede generar profundidad a partir de la Perspectiva Áerea en la que los objetos distantes tienen tonos más claros y menor definición que los del primer plano.
La pespectiva en general ayuda a llevar la vista al centro de interés.

EL ENCUADRE

El ENCUADRE consiste en la captura de la realidad eligiendo y organizando los elementos que formarán parte de la imagen, aquello que el fotógrafo sitúa dentro de la fotografía. Ante un mismo motivo cada fotógrafo puede elegir hacer una fotografía diferente captando unos u otros elementos.

Existen algunas pautas que se pueden tener en cuenta:

- Una vez que el fotógrafo decide la posición, el ángulo de la toma y la distancia, debe comprobar si todo lo que aparece en el visor resulta necesario. Si algo no favorece a la imagen, se debe cambiar la posición o intentar modificarlo esperándo a que las condiciones sean más favorables como por ejemplo en relación a la luz o si hay una persona caminando. El entorno del motivo principal, el fondo, los colores, la posición del sol y las sombras, son los aspectos principales que se deben controlar. Un entorno confuso, fondos demasiado claros o gráficamente muy potentes, colores llamativos o el sol detrás del motivo pueden perjudicar la fotografía.

En toda escena hay un MOTIVO (aquello que deseamos destacar, el centro de interés) y un FONDO (aquello que rodea, decora y/o da sentido al motivo). Para resaltar, el motivo debe llenar el encuadre, que sea el objeto principal excluyendo otros objetos que puedan restarle atención. Puede hacerse a partir de la diferencia de luz, de color, de nitidez, etc.

Un plano general de un parque dificulta la comprensión, es difícil saber que quiere transmitir el fotógrafo. En una toma realizada a corta distancia el tema queda perfectamente definido. El mejor método para definir el tema consiste en incluir pocos elementos en la fotografía.

- A pesar de los dicho en el punto anterior, es importante en el encuadre dejar un cierto MARGEN alrededor del motivo para no atosigar la imagen. Este margen actuará como marco del motivo.

- La LÍNEA DEL HORIZONTE suele ser una referencia visual clave para el ser humano. Normalmente debe mantenerse recta y horizontal. Una línea inclinada suele llamar la atención, y si no está justificada, da al espectador la sensación de que los objetos se van a caer hacia ese lado, y le resta atención al motivo principal. Tampoco es conveniente colocarla en el centro de la imagen, sino a 2/3 por arriba o por abajo, ya que colocándola al centro se obtendrán imágenes descriptivas e inexpresivas, mientras que subiéndola o bajándola se podrá dar más importancia al cielo, al mar o la tierra como fondo o motivo.

- También es importante considerar la PROFUNDIDAD DE CAMPO que da la oportunidad de añadir dramatismo decidiéndo que dejar nítido y que no en el encuadre. El ENFOQUE es otro de los elementos fundamentales para dirigir la atención del espectador y resaltar el motivo de la composición. El primer gran recurso artístico del enfoque total es resaltar el motivo (elemento enfocado) frente a todo lo demás desenfocado (fondo), fijándo de manera muy clara el centro de interés.
- Otro factor comunicativo importante es la elección del FORMATO del encuadre. La mayoría de los elementos fotosensibles (película o sensor de imagen) tiene un formato rectángular y habrá por lo tanto la posibilidad de elegir un encuadre horizontal, vertical o inclinado, cada uno transmitiendo sensaciones diferentes.

Encuadre Horizontal

El Encuadre Horizontal sugiere quietud, tranquilidad y suele utilizarse en fotografías de paisajes y retratos de grupos.

El Encuadre Vertical sugiere fuerza, firmeza y es el más apropiado para retratos.

Encuadre Vertical

El Encuadre Inclinado transmite dinamismo, fuerza o inquietud y suele utilizarse como recurso para resaltar estas cualidades en el motivo, como ser por ejemplo en la fotografía de una carretera o de un camino con perspectiva.

Una de las condiciones básicas es encuadrar únicamente lo que nos interesa. El ojo humano observa un espacio sin límites, pero en la cámara el encuadre está limitado por 4 lados, por lo que es necesario elegir lo que se quiere incluir dentro del fotograma.

Cuando quiero fotografiar un sólo personaje, tengo que acercarme lo más posible.

Encuadre Inclinado

Otra consideración es el ángulo de la toma. Salvo para efectos especiales, debemos equilibrar el objeto y la cámara. Si de pie fotografiamos a un niño va a salir deformado, con la cabeza más grande que los pies y dará la sensación de estar aplastado contra el suelo. Lo que conviene es agacharse y así obtener el fondo y un resultado más natural.

Enfocar es casi simultáneo con encuadrar. Cuando fotografiamos algo en movimiento debemos seguirlo girando el anillo de enfoque para estar siempre listos para disparar. Cuando debemos fotografiar algo que va a ocurrir, como por ejemplo que una persona entre por una puerta, nos conviene encuadrar y enfocar así cuando la persona pase sólo nos resta disparar. Si lo que vamos a fotografiar va a pasar por una determinada zona, podemos calcular el diafragma para que dicha zona quede dentro de la profundidad de campo.